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| PRAXÍTELES. Afrodita Altemps, copia romana de la Afrodita de Cnido |
Aprovecha uno
estos primeros días de verano para hacer algunas de las cosas que ha ido
aparcando durante el curso, así que comencé hace unos días a ver una serie sobre Picasso
que emitieron meses atrás en un canal de televisión. Al comienzo de cada
capítulo aparece uno de esos rótulos que advierten que el contenido de algunas
imágenes puede herir determinadas sensibilidades. Lo chocante en este caso es
lo que dice la advertencia, y cito literalmente: “En esta serie aparecen obras
de arte que pueden contener desnudos. Podrían herir la sensibilidad del
espectador”. Así, tal cual. De cosas como esta se escandalizaban algunos, ni
siquiera todos, en otros tiempos, pero ahora es sencillamente ridículo.
En Grecia, por
ejemplo, los griegos veían con naturalidad la exhibición del cuerpo desnudo
masculino en estatuas y relieves, sin embargo no ocurría lo mismo cuando se
trataba de la mujer, de hecho, no encontramos un desnudo femenino integral en
el arte griego hasta la fascinante Afrodita de Cnido (s. IV aC). La obra fue un
encargo que hicieron a Praxíteles los ciudadanos de la isla de Cos. Según
cuenta Plinio, el artista no sabía qué imagen de la diosa querían exactamente,
así que hizo dos esculturas, una en la que mostraba el lado más sensual de la
diosa y otra en la que aparecía cubierta por un velo, al modo tradicional. La
gente de Cos se decantó por la segunda, ya que la primera le resultó demasiado
escandalosa, sobre todo si tenemos en cuenta que sus mujeres tenían fama de
vestir con túnicas muy ligeras y transparentes, por lo que los sacerdotes se
mostraban preocupados y deseaban fomentar el decoro y la modestia entre sus
conciudadanos. Así que fueron los habitantes de Cnido, una ciudad situada en la
costa de Asia Menor en la que había tres santuarios dedicados a Afrodita, los
que se quedaron con la atrevida y escandalosa
obra de Praxíteles, sin saber entonces que gracias a ella el nombre de la
ciudad se haría universal y eterno. La fama de la escultura se extendió por
toda Grecia y a su santuario acudían peregrinos de todos las polis. Su
popularidad hizo de ella la escultura más copiada y reproducida del mundo
clásico, en multitud de versiones y variaciones.
También es
harto conocido lo que ocurrió con los frescos del Juicio Final pintados por
Miguel Ángel para la Capilla Sixtina. Aquella catarata de desnudos en el templo
más emblemático del catolicismo no dejó de levantar una oleada de protestas y
el genio florentino llegó incluso a ser acusado de herejía. Uno de los más
ofendidos fue Biagio de Cesena, el maestro de ceremonias del Papa Pablo
III, del que dice Vasari que durante la
visita del Papa a las pinturas “mantenía una actitud presuntuosa, lo acompañó y
criticó la obra por los muchos desnudos que contenía; Miguel Ángel se quiso
vengar de él retratándolo en el infierno, en la figura de Minos, entre una
montaña de demonios”. Pero ahí se mantuvieron, impertérritos, hasta que llegó
el Concilio de Trento y la ola de rigor y moralidad que impuso en la Europa católica,
limitando los desnudos en el arte al ámbito mitológico. En la pintura religiosa
se impuso la más estricta observancia de las Sagradas Escrituras, encargando al
clero que vigilase con celo —entiéndase censura— su
cumplimiento. La Contrarreforma, pues, trajo consecuencias para las pinturas de
Miguel Ángel, de modo que Pablo IV encargó en 1559 al pintor Daniele da
Volterra cubrir con unos paños los genitales de las celestiales figuras, lo que
así hizo. Desde entonces se le conoce, con razón, como Il Braghettone (“el Calzones”). Incluso hubo quien quiso ir más
allá, como el Papa Clemente VIII, que pretendió eliminar por completo los
frescos, cosa que finalmente no se hizo por la firme oposición de la Academia
de San Lucas, que logró disuadirle de semejante barbaridad. “Así pues, los
Papas condenaban lo que otro Papa, apenas un siglo antes, había juzgado digno
de la Capilla Sixtina”, sentencia E. Mâle.
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| MIGUEL ÁNGEL. Juicio Final (det.) (1537-1541), Capilla Sixtina, Roma |
Inocencio X obligó
a Pietro de Cortona a cubrir con unas telas el cuerpo desnudo de un Niño Jesús
que pintara años antes el Guercino. Habrá que suponer quizás que la mirada
torva y siniestra que inmortalizó Velázquez en uno de los mejores retratos de
la historia, era también algo sucia. Inocencio XI, otro Papa, hizo lo propio
con el pecho de una Virgen que Carlo Moratta debió cubrir algo más de lo que
había hecho Guido Reni cuando la pintó.
Esta ola de
ridículo pudor que invade el arte europeo después del Concilio, alcanzó también
a los propios artistas, no sabemos si por temor a la poderosa iglesia católica
o porque repentinamente, donde antes sólo veían la belleza del cuerpo humano,
descubrieran ahora que en aquellos cuerpos desnudos se escondía una naturaleza
pecadora. Así, por ejemplo, al final de su vida el escultor Bartolomeo
Ammannati reniega de los espléndidos desnudos de algunas de sus obras de
juventud en una carta dirigida a la Academia de Florencia, al tiempo que
aconseja a los jóvenes artistas se abstengan de este tipo de representaciones;
y el francés Philippe de Champagne, excelente pintor por otra parte, se negaba
a pintar ningún desnudo. Pintura que por otro lado era demandada por las
élites, como el rey Felipe II, que encargó a Tiziano las famosas poesías, en las que Venus se nos muestra
en diferentes posturas y que hicieron las delicias de su nieto Felipe IV, muy
aficionado a su contemplación.
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| TIZIANO. Venus recreándose en la música (h. 1550), Museo del Prado, Madrid |
Y es que, en
general, el desnudo ha sido objeto frecuentemente de escándalo. Hace poco
recordaba una noticia sobre “La maja desnuda” que llamó mi atención cuando era
un niño. En Cáceres, un cabo de la Policía Municipal pasó por delante de una
librería donde se mostraba en el escaparate una reproducción del célebre cuadro
de Goya. Indignado ordenó a la librera que lo retirara por obsceno y
pornográfico. El suceso inspiró incluso una obra de café-teatro que se llamó
"La Maja desnuda de Cáceres" y que se estrenó con gran éxito en
Madrid. En ella la Maja se escapa del Prado con Velázquez y se dedica a
recorrer la noche madrileña. La noticia se publicó el 4 de febrero de 1975.
Franco aún vivía. Incluso en los estertores de la dictadura se consideraba
absolutamente ridículo que un desnudo en una obra de arte fuera motivo de
escándalo.
La Maja desnuda perteneció a Manuel
Godoy, el Príncipe de la Paz, protegido de la reina María Luisa de Parma, muy
protegido al decir de algunos. Según los testimonios de la época, delante de la
Maja colgaba su pareja, La Maja vestida,
y cuando el ministro quería sorprender y divertir a sus visitas, accionaba un
mecanismo que la elevaba para mostrar la Venus desnuda que se escondía tras
ella. La pintura, considerada escandalosa por la Inquisición, pasó a la
Academia de Bellas Artes de San Fernando quien la mantuvo muchos años en una
sala privada junto a otras, no accesible al público, hasta que en 1901 pasó a
la colección del Museo del Prado.
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| F. GOYA, Maja desnuda (1795-1800). Museo del Prado, Madrid |
En aquella
época era habitual que los grandes museos europeos como El Prado, el Louvre, el
Museo Británico y otros muchos, contasen con unas salas especiales, denominadas
gabinetes secretos. Era allí donde encontraban asilo, escondidas y ocultas, las
obras más incómodas o indecentes, a
ojos de la moral de la época, entre las que ocupaban un lugar importante
pinturas y esculturas desnudas como la Maja, además de otros turbadores objetos
antiguos. El acceso sólo se permitía a personas con cierto conocimiento y
dotados del permiso pertinente, como relata el escritor Merimée, que tuvo
ocasión de visitarla. En el caso del museo madrileño, esta sala se ubicaba en el
espacio que corresponde actualmente a las salas 64-67, y allí estuvieron
reunidos mucho tiempo Rubens, Tiziano, Durero, Tintoretto y otros muchos.
Algunos de estos gabinetes se hicieron muy famosos, como el del Museo de
Nápoles, que tras diversas peripecias continúa existiendo actualmente, con la única
restricción de que no se permite la entrada de menores de catorce años si no
están acompañados de sus tutores o profesores.
Por cierto, la
serie de Picasso de la que hablaba antes, me parece a mí que va a dejar
bastante que desear. Ya veremos.
Publicado en CaoCultura el 11 de julio de 2018.
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